Кем были те женщины, что совершили революцию в мировом искусстве? Их жизнь была наполнена взлетами и падениями, но, главное, невероятной силой духа, верой в себя и свое творчество, а еще поиском нового и искреннего. Их истории остаются вне времени, восхищают и вдохновляют.
Артемизия Джентилески «Юдифь со своей служанкой», 1619 г.
Итальянская художница Артемизия Джентилески была первой женщиной в Академии живописного искусства Флоренции. Этот факт кажется особенно невероятным, ведь XVII век был полон предубеждений. У женщин практически не было шанса пробиться в мир искусства, а уж тем более закрепиться в его кругах. Джентилески не верила в предрассудки и правила как в жизни, так и в своем творчестве, и даже в открытую их критиковала.
Отец обучал дочь живописи, чтобы та помогала ему с крупными заказами, но Артемизия своим трудом добилась невероятного — короли со всей Европы стали звать ее писать их портреты. При этом главными в творчестве Джентилески всегда оставались женщины. Картина «Юдифь со своей служанкой» отражает неприятные эмоции, пережитые художницей в юности. Это сильное драматичное произведение с яркими световыми контрастами и выразительными оттенками.
Артемизия Джентилески по сей день вдохновляет женщин своей жизненной силой и неукротимым творческим духом.
Мари-Элизабет-Луиза Виже-Лебрен «Портрет Марии Антуанетты», 1783 г.
Одна из самых известных и востребованных художниц XVIII века. Виже-Лебрен принимали во многих дворцах Европы, где она писала портреты видных государственных деятелей и царских особ.
Парижская художница не имела какого-либо профессионального образования, фактически являясь талантливой самоучкой. Ее работы обладают особым изяществом, нежным колоритом и свободной манерой письма, несвойственной для того времени.
Одним из заказов, принесших ей наибольшую славу, было приглашение в Версаль писать портрет Марии Антуанетты. Она изобразила французскую королеву в своем любимом саду. Впоследствии Элизабет Виже-Лебрен была частой гостьей при дворе, где выделила для себя важное правило — молчать обо всем, что она видела и слышала во дворце.
Берта Моризо «Чтение», 1873 г.
Берта Моризо была единственной женщиной, принимавшей участие в самой первой выставке импрессионистов в 1874 году. Картина «Чтение» была выбрана ею в качестве одной из четырех работ для показа. Произведение является образцом импрессионистской живописи — быстрые мазки и контрасты оттенков, создающие ощущение свежести летнего луга.
В отличие от других импрессионистов, Берта Моризо использовала более смелые техники в своих работах — незаполненные участки полотна, бросающаяся в глаза эскизность и нарочито крупные мазки, что делает ее абсолютным новатором в одном из самых отвергаемых стилей искусства того времени.
Наталья Гончарова «Маленькая станция», 1911 г.
Наталья Сергеевна Гончарова — одна из первых художниц-авангардисток, чьи картины выставлялись на самых известных экспозициях, а сейчас находятся в важнейших музеях России и мира.
Творческий поиск, эксперименты, свежие стили и их смешение. Ее близкая подруга Марина Цветаева, увидев мастерскую художницы, писала, что Гончаровой поддается любая техника и работа с самыми разными материалами. На ее творчество во многом повлияли французские кубисты и итальянские футуристы, но она все время искала новое, иногда возвращаясь к истокам.
В картине «Маленькая станция» можно увидеть тот самый поиск и отход от общепризнанных канонов. Здесь к стилистике кубофутуризма добавляются цифры, текст, изображения накладываются друг на друга, а также прослеживается новое направление — лучизм, разработанное ее мужем Михаилом Ларионовым, которое будет следующим этапом в развитии русского авангарда.
Александра Экстер «Венеция», 1924 г.
Александра Экстер внесла существенный вклад в становление русской авангардной живописи, была членом обществ «Бубновый валет» и «Союз молодёжи», а ее работы присутствовали на ведущих выставках в Москве, Киеве и Париже.
Картина «Венеция» является абсолютно новым взглядом на кубофутуризм. Она демонстрирует неизведанное раньше рассуждение о взаимодействии цвета и формы, повествует о настоящей энергетике урбанистического света и движения, в котором старинный город пропадает и словно рассыпается под воздействием электрического разряда.
Александра Экстер всегда выбирала свой путь в творчестве, разрабатывала собственный язык построения и цвета, поэтому ее идеи во многом повлияли на художников-авангардистов и людей искусства ее эпохи.
Фрида Кало «Две Фриды», 1939 г.
Живопись Фриды Кало — хрупкая и ранимая, одновременно с этим показывающая невероятную силу преобразования страданий в искусство и глубоко трогающая зрителя детализацией образов.
Вдохновением для картины «Две Фриды» послужили воспоминания художницы о воображаемой подруге детства, с которой та общалась, пытаясь забыть о насмешках соседских детей. Однако истинный замысел работы открылся позднее. Картина показывает состояние художницы во время тяжелого развода с Диего Риверой. Две Фриды на картине: одна — в традиционном мексиканском костюме, которую Диего любил, другая — в свадебном платье викторианской эпохи, которую он отверг. Единственным близким человеком, оставшимся у Фриды Кало в то время, была она сама.
Сейчас портрет находится в Музее национального искусства в Мехико.
Ники де Сен-Фалль «Фонтан Стравинского», 1983 г.
Творчество художницы Ники де Сен-Фалль — всегда уникальный взгляд на мир сквозь тонкий психологизм, граничащий с внутренним бунтом. Дочь французского герцога и состоятельной американки, истинная аристократка, чьи фотографии некогда украшали обложки Vogue, прошла через лечение в психиатрической клинике и полную перестройку всей жизни. Впоследствии она выразила метания души в своих работах и сама стала искусством. Произведения Ники экспрессивные и чувственные, иногда шокирующие зрителей, но всегда говорящие о важном.
Фонтан Стравинского возле Центра Жоржа Помпиду в Париже является совместной работой художницы и ее мужа, архитектора Жана Тэнгли. Яркие скульптуры Ники де Сен-Фалль вкупе с массивными кинетическими машинами, двигающимися под музыку Игоря Стравинского, создают глубокий союз творчества и духа через время, связывая прошедшие эпохи и современность.
Трейси Эмин «Моя кровать», 1998 г.
Инсталляция «Моя кровать» известной британской художницы, представленная в галерее Tate, сразу привлекла внимание общественности. В ней Трейси Эмин удается поймать образ депрессии и представить его максимально честно, без романтизации и эстетизма. Предметы инсталляции, являясь реди-мейдом, в чем-то оммаж знаменитому «Фонтану» Дюшана, но уже в совершенно новом контексте, позволяют с помощью конкретных образов говорить о том, что по всем негласным правилам общества должно быть глубоко скрыто. В этой кровати Трейси Эмин провела несколько дней во время депрессивного эпизода.
В 1999 году работу номинировали на премию Тернера, одну из самых престижных премий в Великобритании в области современного искусства. Награду Трейси Эмин не получила, но приобрела всемирную известность.
Луиза Буржуа «Maman», 1999 г.
Луиза Буржуа — одна из самых загадочных и удивительных современных художниц. Всемирная известность пришла к ней в 60 лет, что совершенно необычно для мира искусства.
Ее работы подчиняются собственной непоколебимой логике, отражая личные переживания и опыт. По словам художницы, все ее идеи — это переработка детских воспоминаний. Визитная карточка Буржуа — гигантские бронзовые скульптуры паучихи «Маман», которые украшают несколько крупных городов.
Искусство Луизы Буржуа — это тот случай, когда с замиранием сердца зритель разглядывает каждую деталь и меняет уже сложившееся представление о скульптуре.
Дженни Хольцер «Баран (Два лица цвета железа)», 2016 г.
Дженни Хольцер — художница-концептуалистка, чьи тексты появляются в самых необычных публичных пространствах вот уже 40 лет. Она использует неординарные материалы и поверхности, поднимая в своем творчестве острые социальные проблемы. Как говорит сама Хольцер: «Я хотела многого одновременно — вывести искусство за стены музеев и галерей, показать его случайной публике, быть художником загадочных, но строго упорядоченных работ. Они должны быть очевидными, но не дидактическими, трансформировать пространства, дезориентировать и перепрограммировать людей, предлагать им красоту, делать их смешными и никогда не лгать».
Ее работа «Баран (Два лица цвета железа)» была показана на выставке «Неописуемая вещь» в Музее Гуггенхайма в Бильбао. Бегущие строки как аллюзия на переменчивый современный мир, где с такой быстротой потребляется информация, а искусство становится способом диалога со зрителем.
ВАМ ТАКЖЕ МОЖЕТ БЫТЬ ИНТЕРЕСНО
